MÚSICA / Acabar el año con Lori Meyers

Nada como terminar el año por todo lo alto con un conciertazo, tal fue el que ofrecieron los granadinos Lori Meyers en el WiZink Center de Madrid el 30 de diciembre. Dos horas de una apabullante puesta en escena, tanto en cuanto a sonido como a imágenes, y con un repaso a lo mejor de su ya amplio repertorio, haciendo también hincapié en el último disco, "Espacios infinitos" (2021). Pero, desde luego, no faltaron los temas de álbumes emblemáticos como "Cuando el destino nos alcance" (2010), "Cronolánea" (2008), "Impronta" (2013) o "En la espiral" (2017). Quedó marcada también la variedad estilística que la banda ha ido acumulando a lo largo de los años, del indie-pop principal a la aportación electrónica, ciertas raíces y recientes enlaces con sonidos más actuales, de lo que dieron buena prueba los artistas invitados, como Anni B. Sweet, James Edward Bagshaw (de Temples), Manola y Kora. En cualquier caso, 22 canciones para una noche inolvidable.

Setlist de Lori Meyers en el WiZink Center (30-12-2023).

MÚSICA / La maravilla de The Music Of Big Star

Aunque Big Star (la banda que si aún no conoces, deberías) ya no existe, es tal su influencia en la historia del pop y el rock (a pesar de que nunca lograron la fama en su momento) que se ha montado un supergrupo para homenajear su música y que siga perviviendo y siendo conocida por nuevas generaciones. Sus miembros son Jody Stephens (de hecho, batería original del combo), Mike Mills (REM), Jon Auer (The Posies), Pat Sansone (Wilco) y Chris Stamey (The dB’s). Stephens es el único superviviente pero no era el corazón de Big Star, que en sus dos etapas en activo, 1971-1975 y 1993-2010, no sobrevivió a a la muerte de Chris Bell (1978) y, finalmente, Alex Chilton (2010). Pero lo que ahora tenemos se le parece muchísimo. Porque la banda The Music Of Big Star se emplea a fondo y con máxima calidad de tal modo que se recrea a la perfección y, por momentos, se supera en directo aquello que quedó grabado en, sobre todo, sus dos primeros y maravillosos discos: "#1 Record" (1972) y "Radio City" (1974). Los sonidos de guitarras restallantes, los gloriosos juegos de voces, los riffs pegajosos y las melodías sublimes hicieron de la noche del 16 de noviembre en la sala La Riviera un momento inolvidable que nos hizo volver a creer en aquello que se llama powerpop.

Setlist de The Music Of Big Star en la sala La Riviera (16-11-2023).

MÚSICA / Larkin Poe, cada vez más grandes

Después de las muy buenas sensaciones que nos dejaron en su visita del año pasado, nos hemos encontrado con unas Larkin Poe mayores como artistas en todas sus facetas, tanto de puesta en escena en el escenario como de cancionero cada vez más completo y de calidad. La banda estadounidense de blues-rock procedente de Georgia, comandada por las hermanas Lovell, excelentes Rebecca a la voz y guitarra eléctrica y Megan a la lap steel guitar, ha cambiado de acompañantes con un batería contundente y un bajista refinado (que también maneja el contrabajo). Y, gracias a un álbum notable, "Blood Harmony" (2022), han enriquecido un repertorio en el que no renuncian a sus raíces blues-folk (¡ese maravilloso paréntesis semiacústico!) o a los breves guiños a artistas tan diversos como los Allman Brothers o Elton John. En cualquier caso, demostraron el 8 de noviembre que La Riviera ya casi se les queda pequeña y que supieron mantener un concierto muy directo, pleno de rock sureño, blues, boogie y folk, y muy conectado con el público, por rachas muy similar a The Black Keys. Para abrir, estuvieron bastante entonados los canadienses The Sheepdogs y su blues-rock sureño más clásico.

MÚSICA / La Paloma, noise-pop en vena

Los madrileños La Paloma se van haciendo poco a poco hueco en la escena indie-rock nacional, gracias especialmente a su primer LP, "Todavía no" (2023), un discazo, y también a un directo potente, como demostraron en la sala La Paqui (Ocho y Medio) el sábado 4 de noviembre ante un público entregado que abarrotaba el local. Las canciones de desilusión, rabia y hastío calan profundamente mientras un sonido poderoso y guitarrero se vierte desde el escenario. El noise-pop que practican estos chavales no es un invento nuevo, puesto que hunde sus raíces en los años 80 y 90 pero, en sus manos, suena actual y relevante, y toca la fibra de las nuevas generaciones, amplia mayoría de los asistentes. Canciones como "Bravo Murillo", "Palos", "Sigo aquí", Algo ha cambiado", "No es una broma", "Quejas célebres", "Todo esto", "Tiré una piedra al aire" o "El adversario" tienen mucho de referencia generacional. Me alegro que la antorcha pase de mano en mano y la llama se mantenga viva...

MÚSICA / Luna, la Velvet está viva

La banda neoyorquina Luna muestra en directo un sonido de clara inspiración en la Vevet Underground (el grupo indie de referencia de la Gran Manzana), en contraste con sus pulidos discos, donde el acerado indie-rock se mezcla con sonidos más etéreos y dream-pop. Efectivamente, en el Lula Club de Madrid vibramos con la intensidad de unos Lula más pertinentes que nunca y donde desgranaron temas de varios de sus discos, incidiendo en el emblemático "Penthouse" -1995- (5 canciones), aunque yo soy más de "Pup Tent" -1997-. Sonido técnicamente muy conseguido (salvo la voz de un Dean Wareham con sus limitaciones pero muy reconocible), eso sí, tras un inicio un tanto tenue. Y un regalazo de estupendos temas y muy buen rollo con la audiencia, completado con esperadas versiones de Lou Reed ("Satellite Of Love") y Velvet Underground ("Femme Fatale"), además del colofón con Television y su mítico "Marquee Moon".

Setlist de Luna en el Lula Club (25-10-2023).

CINE / 68ª Seminci de Valladolid (y 2)

"How To Have Sex" [***½], de Molly Manning Walker (Sección Oficial)

Los filmes de adolescentes que buscan borrachera y sexo fácil suelen obviar la realidad que subyace detrás, como es precisamente de qué manera se disfrutan esas relaciones íntimas, de ahí el título del filme. Y en eso bucea Molly Manning Walker entrando en ese terreno pantanoso del turismo de fiesta, pues aparenta narrar una historia superficial y prescindible, y acaba mostrando un sólido y complejo drama totalmente diferente, lidiando en última instancia con la ignorancia y los prejuicios que los chavales tienen sobre el sexo.

"El amor de Andrea" [***½], de Manuel Martín Cuenca (Sección Oficial)

Martín Cuenca opta esta vez por un filme sencillo, sin artificios, directo y con actores desconocidos para hablar de la demanda de afecto de una hija hacia su padre desaparecido, un hombre que, tras sentirse herido por la ruptura con su pareja, abandona toda responsabilidad hacia sus hijos. Pero la Andrea del título luchará por al menos retomar la relación, aunque sea contra la voluntad de la madre (también marcada por la separación) y acudiendo a los tribunales que protegen al menor más allá de los tejemanejes de sus progenitores. Y, en última instancia, aunque sea para reconocer la triste realidad, pero así poder afrontar más libremente su futuro.

"Teresa" [**½], de Paula Ortiz (Sección Oficial - Fuera de concurso)

El debate entre el inquisidor y una cuestionada Teresa de Jesús en el siglo XVI no puede evitar tener mucho de filosofía mística, aunque trate de bajar a terrenos más comprensibles en la actualidad como la libertad de pensamiento, el papel de la mujer en la sociedad, pero también la duda sobre la relación con Dios y la propia lucha existencialista de los dos protagonistas. Por cierto, lo mejor las sufridas actuaciones de Blanca Portillo y Asier Etxeandia, aunque el conjunto deja demasiado en evidencia su origen teatral, a pesar de las aportaciones poéticas de la directora Paula Ortiz.

"Sobre todo de noche" [0], de Víctor Iriarte (Sección Oficial)

Hay cosas que no tienen ni un mínimo asidero. Que un tema tan importante socialmente y para muchas personas en España como es el robo de recién nacidos se vista con los ropajes de un supuesto thriller deconstruido, "ocurrente" y "artístico" es bastante vergonzoso y como chiste no tiene ninguna gracia.

CINE / 68ª Seminci de Valladolid (1)

"Green Border" [*****], de Agnieszka Holland (Sección Oficial)

Esta película debería ser obra de cabecera y de obligada visión en las escuelas, centros de trabajo y despachos políticos, de modo que de una vez por todas pudiera concienciar a la gente de lo que es y significa la migración de personas y cómo se debe abordar desde todos los aspectos. Porque, y ese es su mayor valor, el filme refleja las reacciones de las distintas partes implicadas: desde los propios migrantes, a quienes (¡por fin!) alguien humaniza, hasta los policías y militares que cumplen el mandato político de impedir que crucen la frontera y, lo que es peor, juegan con ellos a moverlos de un país a otro, a aprovecharse de ellos, a dejarlos morir... Y señala a la gente corriente: desde los que fríamente desprecian a los recién llegados hasta los activistas que tratan de aliviar mínimamente el sufrimiento. En este caso habla de la crisis migratoria de sirios en la frontera de Polonia (un país de la Unión Europea, ¡supuestamente civilizado!) y Bielorrusia, pero podría tratarse de cualquier caso similar. En este sentido, la película casa muy bien como continuación de la magnífica "Io capitano" (Matteo Garrone, 2023), que cuenta la huida de los africanos por su continente hasta llegar a las puertas europeas. ¡Y qué decir del final más irónico y sangrante cuando llegan masivamente los ucranianos!

"La contadora de películas" [***½], de Lone Scherfig (Sección Oficial - Fuera de concurso)

La dura vida de una familia humilde que trabaja para una empresa minera en un poblado del desierto chileno de Atacama en los años 60 y 70 es narrado con un fondo dramático y unas formas suaves y con un agradecible poso de optimismo dentro de la negrura de su situación. Además, el mensaje se refuerza con su conexión cinéfila: la pobreza es tal que solo un miembro de la familia puede ir al cine y luego contar al resto las películas que ve, hasta convertirlo en un pequeño espectáculo para muchos de los habitantes. Este poder sanador del cine, de la ficción, frente a las penurias de la vida, de la realidad, es sin duda el mayor valor de un filme que, por lo demás, parece pasar un poco de puntillas sobre los aspectos más turbios, tanto personales como sociales y políticos.

"The Sweet East" [***½], de Sean Price Williams (Sección Oficial)

Una peculiar, original y surrealista road movie que sigue las andanzas de una joven desubicada que escapa de su trivial y aburrida pandilla de amigos para pasar a la compañía sucesiva de un grupo de activistas antisistema desnortados, un supremacista blanco acomplejado, unos cineastas alocados y unos islamistas amantes de las raves... Todo ello da como resultado una crítica muy sarcástica, divertida y desarmante de los actuales habitantes de los Estados Unidos y de la cultura occidental, en general.

"La teoría universal" [***], de Timm Kröger (Academia de Cine Europeo)

Un planteamiento de ciencia ficción dura donde, sin explicaciones previas (solo al final), se juega con el concepto de multiverso y el traslado en el tiempo de los personajes, protagonistas vinculados con el estudio de la física y de sus consecuencias a través de una nueva teoría que podría explicarlo todo, unificándose con las enseñanzas de Einstein. El resultado para el espectador es una experiencia tan fascinante como a veces confusa, pero satisfactoria por su originalidad.

"The Quiet Migration" [**½], de Malene Choi (Punto de Encuentro)

El sentimiento de desubicación vital de un coreano adoptado en Dinamarca pasa del plano personal (extrañamiento poco definido del protagonista) al social (tenues comentarios racistas) con algún interés pero también cierta falta de sustancia para lo que la propuesta podría haber dado de sí.

MÚSICA / El powerpop intemporal de Velvet Crush

La banda de Providence (Rhode Island) Velvet Crush están de vuelta por España para rendir homenaje a su mítico álbum "Teenage Symphonies To God" (1994), del que están a punto de cumplirse los 30 años como una de las referencias clave del powerpop noventero estadounidense. Sin embargo, no optaron por interpretar el disco de principio a fin, sino que tocaron seis de sus principales temas, entremezclados con los de otros trabajos, hasta completar un repertorio de 16 canciones que se nos hizo corto, la verdad, porque lo estábamos pasando francamente bien. En su actuación de la Sala El Sol todo sonó de fábula, sobresaliendo unas guitarras perfectamente definidas a cargo del antiguo miembro Jeffrey Underhill y con el apoyo de David Gibbs, de los estupendos Gigolo Aunts y amigo de la banda fundada por los grandes Paul Chastain (voz y bajo) y Rick Menck (batería), este último portavoz parlanchín del grupo. El powerpop guitarrero de Velvet Crush volvió a sonar con fuerza y gancho para deleite de los presentes.

Setlist de Velvet Crush en la Sala El Sol (18-10-2023).

MÚSICA / Los Punsetes, bailando el rencor

Los madrileños Los Punsetes ya tienen tal carrera a sus espaldas que pueden, sin dejar de ofrecer nuevo material, permitirse un grandes éxitos. Aunque irónicamente no sean un grupo de masas, sus melodías pop, su rollo guitarrero punk y, sobre todo, las letras altamente sarcásticas que les caracteriza han calado mucho en el personal. Así llegaron a La Riviera de Madrid con un recopilatorio, "España necesita conocer" (2021), y un nuevo disco, "AFDTRQHOT" (2022), bajo el brazo.

Noche asegurada de placeres culpables, esos que te llevan a bailar mientras cantas frases como "Que le den por culo a tus amigos", "A lo mejor soy idiota", "Eso es lo que pienso de tu puto grupo", "No eres de los míos si no la puedes cagar" o el nuevo y maravillo lema "España es lo que a mí me salga de los cojones". La suprema ironía cargada con balas de ácido. Un concierto intenso repartido en dos sets de tres cuartos de hora cada uno, en los que Ariadna aprovechó para lucir sendos de sus vestidos estrambóticos con su habitual pose hierática. Todo un show.

Setlist de Los Punsetes en La Riviera (6-10-2023).

MÚSICA / The Long Ryders por siempre

The Long Ryders, la banda de country-rock altermativo, encuadrada en el movimiento Paisley Underground de los 80, están de vuelta por España y el jueves 5 recalaron en Madrid, en una sala El Sol bien llena. Por un lado, era un placer volver a verles y, por otro, daba pena pensar que hace un par de años murió el bajista, Tom Stevens. Menos mal que pude ver a la formación completa en el Huercasa 2019. El caso es que ahí siguen los miembros originales restantes: los guitarristas, cantantes y compositores Stephen McCarthy y Sid Griffin, junto con el batería Greg Sowders. Y continúan bien activos, no se limitan a un repaso de su repertorio clásico, que también. Por supuesto, sonaron canciones de su mítico "Native Sons" (1984), así como de sus primeros trabajos, como "Final Wild Son", "Ivory Tower", "I Had A Dream", "Tell It To The Judge On Sunday", "Gunslinger Man", "State Of Our Union" o "Looking For Lewis And Clark" (con la que cerraron, como suelen hacer siempre). Pero también demostraron que su nivel actual no tiene nada que envidiar y así interpretaron temas de sus dos últimas entregas ("Psychedelic Country Soul" -2019- y "September November" -2023-), como son las estupendas "Greenville", "Molly Somebody", "All Aboard", "September November Sometime", "Seasons Change" o "Elmer Gantry Is Alive And Well". También se sumaron las versiones clásicas, como "Feel A Whole Lot Better", de The Byrds, y "I Want You Bad", de NRBQ. Además, la conexión del grupo con el público es total y divertida gracias sobre todo a un Sid Griffin siempre muy dicharachero. En resumen, una noche para el recuerdo.

CINE / 71º Festival de San Sebastián (y 3)

"Io capitano" [****], de Matteo Garrone (Perlak)

El agónico viaje desde la miseria del África subsahariana hasta intentar acceder al ansiado "paraíso" de la Europa próspera y "civilizada", descrito con minucioso detalle y desarmante naturalidad por Matteo Garrone. Dos chavales jóvenes, primos, se embarcan en una travesía cuyo alcance y peligro no imaginan y que todos los días recorren en la vida real miles de personas objeto de todo tipo de penurias y violencias. Pero también nuestros improbables héroes van cargados con mucho valor, coraje y honestidad en una historia necesaria e imprescindible y que el director italiano cubre con un barniz de cierto optimismo dentro de la inmensa tragedia.

"Memory" [****], de Michel Franco (Perlak)

La memoria (o la falta de ella) como nexo común entre dos personajes que se cruzan en una historia de amor compleja y emotiva. Por un lado, un hombre con los primeros síntomas del alzheimer de pérdida de los recuerdos más recientes; enfermedad que le impide su independencia emocional y vital. Por otro, una mujer que vive con el miedo de los abusos sexuales sufridos en su adolescencia y nunca creídos por su madre; un miedo que le impide vivir su vida plenamente y permitir que lo haga su propia hija. Una dirección firme y segura de Michel Franco confluye a la perfección con dos actuaciones sobresalientes de los protagonistas.

"La estrella azul" [****], de Javier Macipe (Nuevos Directores)

Conmovedora e intensa recreación de la figura de Mauricio Aznar, compositor y cantante de rock zaragozano que rozó el éxito en los 90. En concreto, de sus últimos meses de una tristemente corta vida en los que una fuerte crisis existencial se apoderó de él y le llevó a autosabotearse sus posibles caminos de éxito profesional y vital. Buscando reencontrarse viajó a la Argentina profunda y allí se enamoró del folclore popular y de sus gentes, que le dejaron una huella que luego no pudo trasladar a nuestro país, donde le esperaba la tragedia. Delicadamente contada y con detalles de personalidad y gran dirección, bueno será seguir a partir de ahora la obra de Javier Macipe.

"La tierra prometida" [***½], de Nikolaj Arcel (Perlak)

Sólido relato sobre el intento de colonización del páramo de Jutlandia, en la Dinamarca del siglo XVIII, a través del empeño entre ambicioso y suicida de un capitán de origen humilde. Para llevar a cabo su tarea deberá enfrentarse al inmisericorde señor local, a pesar de tener el teórico apoyo del rey, y aprender a tejer alianzas hasta con bandidos. Una historia muy interesante, con un Mads Mikkelsen soberbio, y que también es una crítica contra la injusticia, la superstición y el racismo.

"Le Successeur" [***½], de Xavier Legrand (Sección Oficial)

Un retrato de un diseñador de moda en pleno éxito y también al borde de un ataque de nervios cuya vida se verá pronto sacudida por un oscuro secreto relacionado con el padre al que hace años que no habla. Es entonces cuando el filme da un giro oscuro que evidencia la distancia que había entre ambos y la diferente percepción que la gente tenía del cabeza de familia. Sorprendente y retorcido.

"The Royal Hotel" [***], de Kitty Green (Sección Oficial)

Un viaje de mochileras a la Australia profunda de dos chicas, que acaban trabajando de camareras en un infecto antro de carretera, da como resultado una resultona película que bordea el terror y la violencia para mostrar, más bien, un bonito panorama de masculinidad entre sobrada y tóxica.

"Evil Does Not Exist" [***], de Ryûsuke Hamaguchi (Perlak)

Lo cierto es que el nudo argumental del filme es bien interesante: las protestas de la población rural ante la próxima construcción de un glamping (camping de lujo) que no tiene en cuenta las repercusiones en la gente ni en el medio ambiente. Lástima que el tono tostonerillo y un desenlace incomprensible den al traste con una historia de mayor calado.

CINE / 71º Festival de San Sebastián (2)

"Puan" [****], de María Alché y Benjamín Naishtat (Sección Oficial)

Deliciosa comedia que retrata a un profesor de filosofía encerrado, ensimismado en su mundo de pensamiento teórico sin la valentía de dar un paso al frente en la vida. Y brillante también análisis de cómo andar perdido sin saberlo y, por una serie de hechos precipitantes (la aparición de un rival académico y laboral -excelente Leonardo Sbaraglia-, la crisis social y económica de turno de Argentina), coger las riendas de tu propio destino. En realidad, todos podemos sentirnos representados por ese preparado pero torpe maestro que anda zarandeado por las circunstancias, en una estupenda interpretación de Marcelo Subiotto, un casi seguro perdedor devenido finalmente en improbable héroe.

"Un silence" [***½], de Joachim Lafosse (Sección Oficial)

A pesar de su comienzo dubitativo, la película acaba entrando en jugosa y cruda materia: la de una esposa que calla lo que siempre ha sabido. Un peliagudo tema el de los abusos a menores que multiplica sus horribles repercusiones cuando se encuentra en el corazón del sistema judicial. Y esa insoportable contradicción es lo que hace que el filme no sea fácil de asumir, sobre todo teniendo en cuenta que se basa en un caso real. Finalmente, Lafosse nos entrega el mensaje de forma clara y contundente, desde una familia rota que, lejos de poder coser sus heridas, las abre.

"O corno" [***½], de Jaione Camborda (Sección Oficial)

La España rural de comienzos de los año 70 era realmente dura para todos, pero especialmente para la mujer. Esta historia de la partera (y abortera) local que, irónicamente, nunca ha tenido hijos, es una elegante metáfora de cómo la vida sexual femenina se veía abocada, a diferencia de la del hombre, a la ilegalidad. Pero también hay una trama personal que refuerza la película, a través del espléndido papel de Janet Novás, y que da mayor calado a su mensaje.

"Un amor" [***½], de Isabel Coixet (Sección Oficial)

La huida al campo como recurso fácil de unas nuevas generaciones que idealizan ese entorno, pero desconocen que también puede albergar sentimientos mucho más potentes (en lo positivo y en lo negativo) que la superboblada ciudad donde, paradójicamente, uno puede esconderse mejor. Es en un pequeño pueblo perdido donde recala el personaje desorientado y roto vitalmente que encarna magníficamente Laia Costa. Y es aquí donde descubre una pasión primaria, quizá poco comprensible porque surge de las heridas más hondas. Pero también se abatirá sobre ella un círculo de resentimiento y odio asfixiante en un tramo final digno de un estupendo filme de terror.

"May December" [***½], de Todd Field (Perlak)

Como las dos protagonistas que se retroalimentan y se funden en una, así la película trata de dos planos vitales que comienzan paralelos para luego confluir. Por un lado, la familia formada por la mujer adulta que se casó años atrás con un niño de 13 años y que, años después, se ve rota y disfuncional detrás de la normalidad aparente que, reconozcámoslo, todos ofrecemos ante la sociedad. Por otro, la actriz del método que convive con esa familia porque va a interpretar a la mujer en el cine y, poco a poco, no solo irá conociendo todos los hechos y circunstancias, sino que también ella misma experimentará lo que ocurrió. Salvo ciertos momentos en exceso subrayados, un filme sólido y atractivo en su ambigüedad.

"La práctica" [***], de Martín Rejtman (Sección Oficial)

El mundo de la práctica del yoga visto con un humor irónico que refleja la vida del protagonista, un profesor de la disciplina tan seguro en sus clases como torpe en su desenvolvimiento social con otras personas. Algunos diálogos chocantes (en dicción robótica), ciertas escenas graciosas, varios gags divertidos... Se ve con agrado.

"Anatomía de una caída" [***], de Justine Triet (Perlak)

La muerte del marido desencadena el debate sobre si se ha tratado de un suicidio o de un asesinato por parte de la mujer. A partir de ahí se desarrolla un juicio en el que la directora no obvia ningún detalle en los discursos de defensor y fiscal, el cual trata de poner en cuestión el modo de vida de ella. Esto hace un tanto tedioso algún tramo, lejos del enganche que producen otras películas míticas de juicios que a todos nos vienen a la cabeza. Pero, bueno, mantiene el interés.